New York City Ballet
Premier programme – George Balanchine
Divertimento n°15 – Episodes – Tchaïkovsky Suite n°3
Paris, Opéra Bastille
Mardi 9 septembre 2008
Evénement attendu de par le prestige historique attaché à la compagnie, la tournée du New York City Ballet à Paris s’ouvrait hier soir sur la scène de l’Opéra Bastille. Evénement à plus d’un titre, puisque la troupe dirigée aujourd’hui par Peter Martins ne se produit que très rarement en Europe. La compagnie new-yorkaise avait donc choisi de débuter cette tournée par une affiche en forme d’hommage, entièrement dédiée à son chorégraphe-fondateur, George Balanchine. Judicieusement composé, le programme avait de plus le mérite de présenter trois facettes distinctes de son oeuvre, tant sur le plan chorégraphique que sur le plan musical. De Mozart à Webern en passant par Tchaïkovsky, Divertimento n°15, Episodes et Tchaïkovsky Suite n°3 offraient ainsi trois « parfums » balanchiniens, trois « coloris » visuels et stylistiques bien particuliers, permettant d’approcher l’œuvre du maître dans toute sa variété, au travers de l’interprétation donnée par des danseurs continuellement frottés à ce répertoire.
Divertimento N°15 © Paul Kolnik
Divertimento n°15, souvent représenté, était sans conteste l’œuvre « rassurante » de ce programme balanchinien. Mozart, Karinska (so divinement chic !- tellement plus que Christian Lacroix…) bien sûr, mais aussi et surtout une virtuosité qui semble ici ne pas connaître de limites. On pressent que tout est là non pas tant pour émouvoir que pour séduire le regard à toute force, et charmer, au sens le plus fort, un spectateur hypnotisé par la seule force de la construction chorégraphique. Si une certaine crispation des danseurs a pu se faire jour durant quelques instants au lever du rideau, cette impression a vite été balayée par le brio dont ont fait preuve ensuite les solistes comme le corps de ballet. Certes, les ensembles ne possèdent pas toujours un esprit de géométrie disons… à la russe, mais l’esprit de finesse – et surtout de finesse musicale -, allié au dynamisme de l’exécution, est quant à lui bien là, compensant aisément, et même joyeusement, les légères approximations perceptibles quant à la discipline du corps de ballet. De surcroît, au-delà du brio technique et de l’incroyable aisance manifestés par les interprètes, l’exercice de virtuosité parvient à échapper au pensum mécanique grâce à l’extraordinaire musicalité qui caractérisent au premier chef les danseurs du New York City Ballet. Peut-être est-ce là ce qui frappe le plus, peut-être est-ce là que se situe cette « différence » new-yorkaise… Loin d’être figée dans la seule propreté de l’exécution et l’extrême vélocité du bas de jambe, la danse se fait expressive et les visages comme les bras manifestent une vie et une ardeur qui rendent ainsi la chorégraphie enthousiasmante, la teintant d’une sensualité de bon aloi, tout à fait en accord avec l’esprit XVIIIème de la musique et des costumes.
Les solistes quant à eux se livrent, dans leurs différentes variations, à une véritable démonstration technique. Tout est dit ici avec panache, mais sans ostentation. Le sourire est serein, jamais forcé. La danse est explosive, mais ne recherche pas l’exploit comme une fin en soi. On est très loin du « syndrome ABT »… A côté de remarquables individualités féminines, parmi lesquelles on aura notamment apprécié le brio éclatant de Sterling Hyltin et d’Ashley Bouder, les garçons, que ce soit Tyler Angle, Robert Fairchild ou Andrew Veyette, méritent d’être mentionnés plus particulièrement, eu égard à la réputation que l’on fait d’ordinaire, et peut-être à tort, aux ballets de Balanchine. Loin de se contenter en effet d’être des faire-valoirs un peu alanguis de ces dames, ils savent marquer – et de quelle manière ! – l’œuvre de leur présence. Bref, d’emblée, avec ce Divertimento n°15, le New York City Ballet à peine arrivé a su s’imposer et frapper un grand coup de gong à l’Opéra Bastille. Cette fois, eyes wide opened, on est tous bien réveillés… Au fait, qui a dit que Balanchine était ennuyeux?…
Episodes, oeuvre mythique entre toutes, chorégraphiée sur la musique de Webern, marquait, après la légèreté mozartienne, un retour vers une certaine austérité musicale et chorégraphique, que l’on peut percevoir du reste au travers d’œuvres plus connues de Balanchine, comme Agon ou Les Quatre Tempéraments. Rayon costumes, on ne plaisante plus, c’est académiques noirs pour les filles, maillot blanc et collant noir pour les hommes. Les éclairages jouent eux-mêmes de cet effet « noir et blanc », puisque, parallèlement à l’abstraction scénographique aux rayons quelque peu blafards qui domine l’ensemble de l’œuvre, le second tableau, chorégraphié sur les Cinq Pièces op.10, est dansé dans une semi-obscurité qui n’est pas sans créer un effet troublant sur le spectateur. A l’image d’une chorégraphie incroyablement novatrice pour l’époque (le ballet fut d’ailleurs représenté à sa création en même temps qu’une œuvre de Martha Graham qui lui était associée), cette scène en clair-obscur se révéla sans doute révolutionnaire en 1959, alors même que le procédé est devenu aujourd’hui un poncif scénographique à usage souvent purement décoratif.
Dans Episodes, la danse se fait anguleuse, géométrique. Les corps y ignorent la courbe et l’arrondi. Nul maniérisme n’y a sa place. Plus que par l’illustration musicale – aride, « janséniste » – et son lien à la chorégraphie, on est frappé par la dimension picturale d’Episodes. On songe à un tableau suprématiste, un Malévitch, ou un Kandinsky. Point et ligne sur plan. Du côté des interprètes, chacun possède, outre la précision et la netteté requises par la chorégraphie, cette qualité de danse acérée et tranchante qui en fait tout le prix et toute la beauté. Il faudrait bien sûr citer tous les solistes, de Darci Kistler – la dernière muse, et pourtant ô combien vivante – à Wendy Whelan, soutenues l’une et l’autre par d’excellents partenaires, Amar Ramasar et Albert Evans, mais on distinguera néanmoins Maria Kowroski, implacable et superbe, et Charles Askegard, d’une autorité scénique impressionnante, qui ont véritablement magnifié le saisissant Ricercata final. C’est finalement peut-être dans ce joyau ciselé, au mystère de diamant noir, que le New York City Ballet se montre le plus incontestable…
Tchaïkovsky Suite n°3, qui remplaçait Valses de Vienne prévu initialement, apportait une conclusion flamboyante à cette soirée balanchinienne. Pourtant, l’œuvre se révèle au départ d’une grande incongruité aussi bien dans sa construction formelle que dans la disparité stylistique qui la caractérise. Rien d’étonnant à cela : Balanchine a d’abord créé en 1945 Thème et Variations sur le mouvement final de la Suite n°3, pour revenir à la partition de Tchaïkovsky en 1970 et en chorégraphier les trois premiers mouvements. On a donc plutôt l’impression d’assister à un collage de deux ballets distincts, juxtaposés et finalement réunis par la seule logique de la musique de Tchaïkovsky.
Les trois premiers tableaux sont ainsi chorégraphiés dans un style qui rappelle au moins visuellement, sinon dans l’esprit, Sérénade : longues robes flottantes, cheveux dénoués, rideau de scène transparent diffusant une sorte de halo impressionniste sur la chorégraphie et les interprètes. A vrai dire, l’œuvre de 1970, qui débute par un hommage appuyé à Isadora Duncan, la danseuse aux pieds nus, se perçoit aujourd’hui comme un ensemble d’un kitsch achevé et fournit une fois de plus la preuve que l’art ne progresse pas forcément avec le temps ni avec l’âge… Le talent des interprètes n’est nullement en cause – Tiler Peck et Daniel Ulbricht notamment s’y révèlent excellents -, mais il faut bien avouer que la vision de la féminité qui en ressort – peu importe qu’elle soit « datée » ou « stéréotypée », car l’art se construit aussi sur des poncifs – a probablement plus à voir avec les visions érotomaniaques d’un David Hamilton qu’avec le pastiche réussi d’un certain romantisme.
En revanche, le mouvement final resté célèbre (on pense à l’interprétation mythique qu’en ont donnée Gelsey Kirkland et Mikhaïl Barychnikov) se révèle un véritable feu d’artifice – pastiche magistralement réussi pour le coup – dédié avec un respect teinté d’humour au grand style académique russe et à cette école du Ballet Impérial fondée par Marius Petipa, au sein de laquelle Balanchine lui-même fut formé. Un imaginaire impérial souligné du reste avec une jouissance gourmande par les décors et costumes de Nicolas Benois. Sur le plan de l’exécution, le corps de ballet ne montre pas exactement l’élégante discipline qu’on avait pu notamment admirer lorsque le Mariinsky avait interprété – Dieu, quel souvenir! – Ballet Impérial au Théâtre du Châtelet, mais en même temps, ce que la compagnie new-yorkaise peut perdre en perfection dans les alignements est largement contrebalancé par le dynamisme, l’énergie et le brio des interprètes, menés par un couple irrésistible et plein de panache. Pourtant, dans cette chorégraphie brillante et pétillante comme du champagne, à la musicalité exigeante, nul ne saurait se contenter de prendre la scène pour « la piste aux étoiles ». Megan Fairchild, petite brune au visage de poupée, et Joaquin de Luz, l’air de rien et sans façons, ne trichent pas. A coup sûr, ce sont eux les vraies stars.
Article publié sur Dansomanie
Dédié à la musique baroque depuis sa création en 1979, le Festival de Sablé-sur-Sarthe célébrait cette année son trentième anniversaire. Dans ce haut lieu de la musique ancienne, qui participa activement à la redécouverte du répertoire baroque et au renouveau de son interprétation, la « belle danse » sut trouver d’emblée une place de choix.
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